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La fresque d’André et Ivanna Lemaître

La fresque qui décore le salon Asie, situé à l’angle sud-est du hall d’honneur, et classé au titre des monuments historiques depuis 1987, a été réalisée par les peintres André Lemaître (1885-1965) et Ivanna Lemaître, née Jacovlena Koytcheff (1893-1973), couple ayant beaucoup travaillé ensemble. La fresque du salon Asie a pour motif les apports philosophiques et artistiques de l'Asie. Les personnages et les scènes figurées s’inspirent du bouddhisme, de l’hindouisme et de la pensée confucéenne, avec des représentations des grandes figures spirituelles de l’Asie sur le panneau à gauche de l’entrée : Krishna jouant de la flûte, Bouddha en pleine méditation et Confucius enseignant à ses disciples. À droite de l’entrée, une caravane d’éléphants chargée de produits se dirige vers le fleuve qui relie l’Orient à l’Occident. Puis, se développent, sur fond de végétaux et de montagnes (cimes neigeuses de l’Himalaya ou cimes boisées du Mont Mérou), les thèmes de la danse (danseuses du Cambodge), de la musique, de la sculpture. Enfin, sont évoqués les quatre éléments, à travers des scènes qui mêlent le surnaturel et le monde terrestre : l’eau, évoquée à travers le dieu Varouna et des pêcheurs en quête de leur nourriture quotidienne ; le feu, représenté par le dieu Agni, qui apporte la vie à un petit enfant qui s’épanouit à son souffle ; la terre, illustrée par à le dieu Rama, chassant les bêtes féroces pour que les hommes puissent s’adonner à leurs tâches nourricières. Au-dessus, sur le mur faisant une avancée, est figurée la Déesse-mère de l’Humanité. Les personnages, majestueux et sensuels, sont en action, souvent en torsion, rarement en position frontale face au spectateur, ce qui renforce l’animation de la composition générale. Ils apparaissent dans des fondus, comme des apparitions oniriques. Le dessin est fin et léger, la gamme chromatique douce, chaude et d’une tonalité jaune pâle et orangée, relevée de quelques notes vives, comme pour s’accorder à la sérénité ambiante. Les lignes sont fluides et ondoyantes, peintes par touches vibrantes, donnant un rendu nacré et léger.

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Les musées coloniaux

Au XIX e siècle, la France comptait des musées coloniaux en région (Lille, Lyon, Marseille, Nantes, etc). Il s’agissait d’institutions rattachées à une chambre de commerce ou à un établissement supérieur, qui dispensaient un enseignement. Ils étaient conçus pour un public restreint d’étudiants, d’enseignants ou de professionnels se destinant à l’agronomie ou à l’administration en territoire colonial. Les produits et objets exposés, présentés par pays et par catégorie, provenaient d’agences économiques des colonies, de dons ou d’expositions organisées dans la région. Après leur fermeture, au XX e siècle, les collections ont rejoint un muséum, un musée ethnographique ou une université. À Paris, une exposition coloniale permanente avait été aménagée dans le palais de l’Industrie, construit en 1855 pour l’exposition universelle. À sa démolition, un peu avant 1900, il fut question de construire un musée colonial digne de rivaliser avec ses voisins de Londres ou de Tervuren. L’État envisagea alors une exposition de dimension internationale, qui serait l’occasion de construire un musée. La première guerre mondiale, puis les aménagements nécessaires retardèrent le projet. L’Exposition coloniale internationale ouvrit en mai 1931, une dizaine d’années après celle de Marseille (1922), avec le « musée permanent des colonies ».

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L’éclairage de l’Exposition coloniale internationale de 1931

À l’époque où a été construit le Palais de la Porte Dorée, l’éclairage artificiel devient une préoccupation majeure des architectes comme des décorateurs. À l’étranger, puis en France dans les années 1920, se développe un intérêt pour l’éclairage indirect (la source lumineuse est cachée, la lumière réfléchie sur diverses surfaces est douce et diffuse). En janvier 1928 apparaît une revue technique dédiée à ce sujet : Lux, la revue de l’éclairage. Cette revue mensuelle vise à présenter aux spécialistes de la construction les évolutions techniques dans le domaine de l’éclairage artificiel. L’éclairage électrique indirect est omniprésent dans l’Exposition coloniale de 1931 et son utilisation sur une surface de cette ampleur est inédit. Plus coûteux, ce type d’éclairage était auparavant plutôt utilisé en intérieur. Si elle témoigne d’un intérêt croissant pour cette technique, l’omniprésence de l’éclairage indirect dans l’exposition de 1931 constitue surtout une démonstration de puissance et de modernité. La France présente à cette occasion le savoir-faire des entreprises françaises en matière d’éclairage public et de mise en lumière des monuments. L’ensemble des illuminations est conçu par les architectes André Granet et Roger-Henri Expert. Le magazine L’illustration souligne l’importance des moyens déployés : environ 3 000 projecteurs et 2 000 luminaires sont installés pour l’événement.

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La fresque de Louis Bouquet

La fresque qui décore le salon Afrique , situé à l’angle sud-ouest du hall d’honneur, et classé au titre des monuments historiques depuis 1987, a été réalisée par le peintre lyonnais Louis Bouquet (1885-1952). Elle a pour motif les apports culturels et intellectuels de l'Afrique. Sur le panneau de droite, consacré à l’Afrique noire, sont représentées la musique et la danse, figurées par Apollon tenant sa lyre sous l’inspiration d’une majestueuse muse noire, les deux entourés par des danseuses. Le décor est fait à la fois de végétations luxuriantes, habitées de bêtes sauvages (un lion, un léopard chassant une antilope) et d’une architecture représentant la mosquée de Djenné, plus grand édifice en terre crue du monde, située au Mali et qui date de 1906. Fait notable, la mosquée de Djenné était aussi reproduite en miniature en tant que pavillon représentant le Mali dans l’Exposition coloniale. Face à la porte d’entrée, trois panneaux illustrent les sciences et les arts arabes, chacun étant représenté par un personnage allégorique : sur le panneau à droite, l’astronomie (homme tenant un globe céleste, le regard tourné vers le ciel), les mathématiques (homme comptant sur ses doigts), la géométrie (homme avec un compas), l’agronomie (homme portant une houe), la botanique (femme cueillant des plantes), la médecine et la pharmacopée (homme avec un mortier et un pilon), la philosophie (avec deux personnages en plein débat), la poésie (femme tenant une lyre), l’éloquence (avec un homme déclamant le bras tendu) ; sur le panneau central, sont figurés la musique et le chant ; sur le panneau de gauche, viennent l’écriture et l’architecture. Enfin, à gauche de l’entrée, la religion est incarnée par Mahomet (Mohammed en arabe), à qui l'ange Gabriel (Jibril en arabe) souffle à l'oreille la Révélation du Coran, accompagné de la figure de Saint-Michel qui terrasse le dragon, symbole du Mal. L'ange Gabriel et Saint-Michel sont des figures vénérées à la fois par le christianisme et l'islam, très présentes dans leurs iconographies respectives : le peintre a ainsi voulu mettre en avant les points de convergence entre les cultures orientale et occidentale à travers la musique, les sciences et la religion. Les panneaux sont surmontés de nombreux modèles architecturaux (mosquées, cités, palais…) qui illustrent la richesse des cultures urbaines des civilisations arabo-musulmanes. En ce qui concerne le traitement des personnages, dignes et imposants, ce qui frappe est leur position figée, frontale et hiératique. Leur sobriété fait écho à une certaine neutralité des expressions et à l’aspect sculptural des corps. La touche du peintre est dessinée et linéaire, la peinture étant appliquée par aplats sobres (sans trace de pinceau) et par des lignes hachurées placées à la verticale, ce qui accentue l’impression de verticalité des parois du grand cylindre ovale de ce salon. De même, les hachures renforcent la géométrisation des objets et des corps représentés. Les formes sont allongées et les figures élégantes et longilignes, ce qui accentue aussi la verticalité de l’architecture. L’ensemble de la fresque est traité à travers une trame géométrique où l’arabesque stylisée est très présente. La gamme chromatique utilisée est limitée à celle des terres, associées ton sur ton, créant une palette générale sourde, accentuant l’aspect sculptural des silhouettes. Quelques touches de couleurs vives mettent en valeur étoffes ou objets.

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Les ferronneries

Le Palais de la Porte Dorée abrite de nombreuses décorations en fer forgé conçues par de grands décorateurs, figures majeures de la ferronnerie d’art des années 1930. Elles se trouvent aujourd’hui principalement dans les espaces de circulation du Palais.

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Un entretien nécessaire de l’Aquarium

En 2020, de gros travaux ont eu lieu à l'Aquarium tropical du Palais de la Porte Dorée. Il a donc fallu réaménager, replanter et bien entendu repeupler les 84 bacs. Nos aquariologistes vous emmènent dans les coulisses de l'Aquarium afin de découvrir leur travail essentiel au bon entretien de ce nouvel endroit.